"Entrudo - Caretos de Podence" - Macedo de Cavaleiros – Portugal - Mário Silva (IA)

"Entrudo - Caretos de Podence"

Macedo de Cavaleiros – Portugal

Mário Silva (IA)

Esta é uma bela representação digital de uma das tradições mais vibrantes e ruidosas de Portugal.

A obra de Mário Silva capta com precisão a energia e o movimento deste momento único.

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A obra digital de Mário Silva apresenta uma estética que funde o realismo com uma textura que remete para a pintura a óleo, conferindo uma organicidade clássica ao meio digital.

No centro da composição, vemos os Caretos em pleno movimento, descendo uma rua estreita e empedrada de Podence.

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O destaque vai para o contraste cromático vibrante: o vermelho, o amarelo e o verde dos fatos de franjas de lã saltam da tela contra o branco das casas típicas transmontanas.

A expressividade das máscaras de nariz adunco e os grandes chocalhos à cintura transmitem a sensação de som e caos controlado.

À direita, um grupo de jovens reage com uma mistura de entusiasmo e receio, capturando perfeitamente a interação social que define esta festa.

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O Entrudo de Podence: Tradição e Identidade

O título da obra, "Entrudo", remete para a designação arcaica e mais autêntica do Carnaval em Portugal, antes da influência das celebrações modernas.

Em Podence, no concelho de Macedo de Cavaleiros, o Entrudo não é um desfile de carros alegóricos, mas sim um ritual ancestral de transgressão e liberdade.

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A Especificidade dos Festejos

Os Caretos de Podence são figuras enigmáticas que encarnam o "diabo" à solta após o inverno.

Esta tradição, classificada como Património Cultural Imaterial da Humanidade pela UNESCO, possui características únicas:

O Traje: Feito de colchas de franjas de lã em camadas (vermelho, castanho, amarelo e verde), que conferem volume e movimento ao Careto.

As Chocalhadas: O momento alto da celebração.

Os Caretos correm pela aldeia à procura de raparigas para as "chocalhar" — um ato ritualístico onde batem com os chocalhos da cintura contra as ancas das mulheres, num antigo símbolo de fertilidade e purificação.

O Anonimato: A máscara de couro ou metal e o fato completo garantem o anonimato de quem o veste, permitindo-lhes pregar partidas, entrar em casas e quebrar as normas sociais habituais.

Os Facanitos: As crianças que, vestindo trajes semelhantes, mas sem chocalhos pesados, seguem os Caretos mais velhos, garantindo a passagem do testemunho geracional da tradição.

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Esta pintura não é apenas um registo visual; é um tributo à resiliência da cultura transmontana, onde o sagrado e o profano se misturam nas ruas estreitas de uma aldeia que, durante estes dias, se torna o centro do mundo.

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Texto & Obra digital: ©MárioSilva

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"Dia S. Valentim no Porto" – Mário Silva (IA)

"Dia S. Valentim no Porto"

Mário Silva (IA)

Esta é uma bela obra digital de Mário Silva, que capta a essência romântica da cidade Invicta.

A pintura apresenta uma estética impressionista digital, rica em texturas e pinceladas vibrantes que conferem movimento à cena.

No centro, um casal partilha um momento de profunda intimidade numa esplanada na Ribeira.

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Sobre a mesa, os símbolos clássicos do romance — um ramo de rosas vermelhas, uma caixa de bombons e dois cálices de vinho — repousam sob a luz dourada do entardecer.

Ao fundo, a icónica Ponte Dom Luís I ergue-se como uma sentinela sobre o Rio Douro, onde os barcos rabelos flutuam calmamente.

À esquerda, os tradicionais azulejos azuis e brancos reforçam a identidade portuense, criando um contraste perfeito com o calor do pôr-do-sol.

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Ouro sobre o Douro: Um Reflexo de São Valentim

No Porto, o amor não se diz apenas; sente-se no granito das pedras e no reflexo do rio que corre, eterno, em direção ao mar.

Nesta tela, Mário Silva convida-nos a ser testemunhas de um silêncio partilhado, onde o toque das mãos fala mais alto que o burburinho da cidade.

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O título evoca São Valentim, o bispo romano que, desafiando as ordens de um império que proibia o matrimónio para manter os soldados focados na guerra, celebrava casamentos em segredo.

Valentim acreditava que o amor era uma força sagrada, superior a qualquer lei temporal.

Por esse sacrifício, tornou-se o guardião dos namorados, deixando como legado a ideia de que o amor floresce mesmo nos tempos mais austeros.

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Nesta pintura, esse legado vive.

O "Dia de São Valentim no Porto" não é apenas uma data no calendário, mas um estado de alma.

É a luz de fevereiro que incendeia o céu, transformando o Douro num caminho de ouro líquido, enquanto o casal, alheio ao mundo, celebra a coragem de se pertencer.

As rosas são a paixão, o vinho é a celebração, e a ponte, ao fundo, é o símbolo perfeito daquilo que o amor faz: unir margens que pareciam distantes.

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"Que o amor seja como o Douro: com história nas margens, força na corrente e a beleza de quem sabe que o melhor destino é o porto onde o coração decide ancorar."

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Texto & Obra digital: ©MárioSilva

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"A Invasão dos Pinguins à Gronelândia" - Mário Silva (IA)

 

"A Invasão dos Pinguins à Gronelândia"

Mário Silva (IA)

A obra digital de Mário Silva é uma explosão de textura e cor, executada num estilo que remete ao impasto impressionista.

As pinceladas são largas, táteis e vigorosas, conferindo uma tridimensionalidade quase escultórica à superfície plana.

Composição: Três figuras centrais de pinguins-imperadores dominam o plano médio, erguendo-se com uma dignidade quase militar sobre as águas geladas.

À sua volta, outros membros da "expedição" emergem das ondas, sugerindo um desembarque em massa.

Paleta de Cores: Existe um contraste dramático entre os tons frios e profundos do oceano (azuis-cobalto e turquesas) e a luminosidade feérica do céu.

O horizonte está tingido com amarelos solares, rosas e violetas, que se refletem na plumagem branca e nas manchas cor-de-laranja vibrantes dos pinguins.

Simbolismo: A presença de pinguins (nativos do Hemisfério Sul) na Gronelândia (Hemisfério Norte) sublinha o caráter surrealista e provocador da peça, funcionando como uma metáfora visual para o absurdo e para a disrupção geográfica.

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Estória Épica: O Delírio de Ouro e Gelo

O céu da Gronelândia nunca vira tal presságio.

Nas terras do Norte, onde o urso branco reina e o silêncio é lei, o horizonte incendiou-se num dourado artificial, um brilho que não vinha da aurora, mas de uma ambição que atravessara oceanos.

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Eles chegaram não como refugiados, mas como conquistadores improváveis.

Vindos do Sul profundo, guiados por uma vontade que não era a da natureza, mas a de um Grande Comandante do Oeste que, do alto da sua torre de vidro e ouro, decidira que o mundo era um tabuleiro de propriedades a adquirir.

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"Comprem-me o gelo!" — rugira o líder de topete cor de chama, algures num salão oval distante.

"Se o Sul já não basta, que o Norte se curve à minha bandeira."

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Os pinguins, transformados em legiões de fraque, eram os seus peões.

Avançavam sobre as águas da Gronelândia com a arrogância de quem ignora as fronteiras da biologia.

Cada mergulho era uma transação; cada grasnar era um contrato de arrendamento assinado sobre o pergelissolo.

Eles eram a personificação de uma invasão absurda: seres de um mundo que ali não pertenciam, reclamando uma soberania que o dinheiro não pode comprar.

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Os habitantes ancestrais do gelo observavam, atónitos.

Como poderia alguém querer "comprar" o frio?

Como poderia um império declarar posse sobre a brancura eterna?

Mas os invasores não ouviam.

Estavam embriagados pela luz cor-de-rosa do crepúsculo, acreditando que aquele novo reino era deles por direito de "negócio".

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Contudo, a Gronelândia é uma anciã que não se deixa vender.

Enquanto os pinguins de Mário Silva marcham, majestosos e ridículos na sua deslocação, o gelo estala sob os seus pés — um aviso de que, no fim, nem todo o ouro do mundo consegue impedir que o sol se ponha sobre os impérios que tentam possuir o impossível.

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Texto & Obra digital: ©MárioSilva

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"A Pupila do Senhor Reitor Patrício" - Mário Silva (IA)

 

"A Pupila do Senhor Reitor Patrício"

Mário Silva (IA)

Esta obra digital de Mário Silva transporta-nos para um universo de nostalgia e luz, evocando o classicismo da literatura portuguesa.

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A obra digital de Mário Silva é um desenho executado com uma técnica que emula o esboço a carvão ou grafite, banhado por uma tonalidade sépia que confere à cena um carácter intemporal e bucólico.

A composição foca-se no contraste entre a penumbra de um interior doméstico e a luminosidade vibrante de um pôr do sol que domina o horizonte.

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No lado esquerdo, um homem (presumivelmente o Senhor Reitor) senta-se numa poltrona clássica, vestido de fato e chapéu, numa postura de profunda reflexão ou leitura.

À direita, emoldurada pelas portas abertas de uma varanda, surge a figura de uma jovem — a "pupila" — cuja silhueta se destaca contra o disco solar imenso que parece mergulhar no mar ou numa planície infinita.

O traço é detalhado no mobiliário e nas texturas do tapete, enquanto a luz exterior é representada por uma claridade quase etérea que invade a sala.

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O Crepúsculo das Palavras Mudas

O sol, esse gigante de ouro velho, começava a sua lenta descida para o descanso, pintando o céu com as cores das promessas por cumprir.

No silêncio daquela sala, onde o cheiro a papel antigo e a madeira encerada parecia pairar como um espírito, o Senhor Reitor Patrício deixava o tempo passar pelos seus dedos.

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Ele não lia, embora o livro repousasse no seu colo.

Ele escutava.

Escutava o som da luz a tocar na pele da sua pupila, que, imóvel à porta da varanda, parecia colher os últimos raios do dia para os guardar no peito.

Ela era a sua janela para um mundo que ele já via apenas por entre as sombras da sabedoria e do dever.

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“Há um momento, entre o dia e a noite, em que a alma se torna de vidro: transparente, mas frágil.”

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Patrício observava-a.

Ela, de costas para a penumbra do mestre, olhava o infinito.

Naquele momento, ela não era apenas uma pupila sob a sua guarda; era a personificação da liberdade que ele, no seu rigor de reitor, talvez tivesse esquecido como sentir.

O chapéu dele, ainda posto, era o escudo contra a claridade que o ofuscava, enquanto ela se entregava ao astro-rei sem medo de arder.

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Nenhuma palavra foi dita.

Não era necessário.

A estória deles estava escrita na poeira dourada que dançava no caminho entre a poltrona e a varanda.

Quando o sol finalmente se escondesse, restaria apenas o calor daquela presença e o eco de um suspiro que o vento da montanha traria para dentro da sala.

O Reitor fecharia os olhos, sabendo que, enquanto ela olhasse o horizonte, ele nunca estaria verdadeiramente no escuro.

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Texto & Obra digital: ©MárioSilva

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"Noite escura e pluviosa" – Mário Silva (IA)

 

"Noite escura e pluviosa"

Mário Silva (IA)

É fascinante observar como a arte de Mário Silva transita entre o realismo da fotografia de natureza e a expressividade vibrante da pintura digital.

Esta obra, "Noite escura e pluviosa", mergulha numa estética completamente diferente, mas mantém a mesma sensibilidade poética.

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A obra digital de Mário Silva é uma composição impressionista que retrata uma avenida ou passeio urbano sob o manto de uma noite de chuva.

Dominada por uma paleta profunda de azuis cobalto, violetas e púrpuras, a pintura utiliza uma técnica que simula o impasto (pinceladas grossas e texturizadas), conferindo à imagem uma tridimensionalidade quase táctil.

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No centro da cena, os reflexos das luzes dos candeeiros e da lua espelham-se no pavimento molhado, criando um rasto luminoso que guia o olhar.

Silhuetas negras e indistintas de transeuntes movem-se solitárias ou em pequenos grupos, protegidas por guarda-chuvas, enquanto árvores despidas emolduram a composição, conferindo-lhe uma atmosfera melancólica e tipicamente invernal.

O contraste entre a frieza das cores dominantes e o calor pontual do brilho dos candeeiros cria um equilíbrio visual dinâmico.

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O Espelho do Céu no Chão: Reflexões sobre a "Noite escura e pluviosa"

Há uma beleza particular que só se revela quando o sol se põe e as nuvens decidem chorar sobre a cidade.

No título "Noite escura e pluviosa", Mário Silva não descreve apenas uma condição meteorológica; ele define um estado de alma.

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A Dança das Cores Frias

Nesta pintura, a escuridão não é um vazio, mas sim uma explosão de tons.

O azul não é apenas uma cor, é o peso do silêncio; o roxo é a vibração do mistério que paira no ar húmido.

A chuva atua como um verniz que aviva o mundo, transformando o asfalto cinzento num espelho líquido onde a cidade se redescobre.

Cada pincelada parece carregar consigo o som do cair da água e o eco de passos apressados.

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As Luzes como Âncoras

Os candeeiros nesta obra são como faróis para os perdidos.

Numa "noite escura", o brilho difuso da luz na neblina oferece um conforto visual, um porto seguro para as silhuetas que caminham sem rosto.

Estas figuras humanas, desprovidas de detalhe, representam-nos a todos nós: somos os caminhantes solitários que buscam a luz no meio da tempestade, passageiros momentâneos numa avenida de sonhos molhados.

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A Poética da Solidão Urbana

A chuva tem o poder de isolar e, ao mesmo tempo, unir.

Embora cada figura pareça seguir o seu próprio destino, todas partilham a mesma atmosfera envolvente.

A obra convida-nos a apreciar a melancolia doce de uma noite de inverno.

Há uma paz estranha em saber que, mesmo na noite mais escura e chuvosa, há sempre um reflexo de luz a brilhar sob os nossos pés, lembrando-nos que onde há sombra e água, há também a promessa de um novo amanhecer.

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Texto & Obra digital: ©MárioSilva

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A obra digital e a criatividade humana & Vídeo

 

A obra digital e a criatividade humana

Mário Silva (IA)

A ascensão da Inteligência Artificial (IA) no mundo das artes gerou um debate aceso: estaremos perante o fim da criatividade humana ou perante a sua maior expansão tecnológica?

A resposta, como quase tudo na arte, não é binária, mas sim uma sobreposição de camadas.

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A Simbiose Criativa: A IA e o Novo Horizonte da Arte Digital

Durante séculos, a ferramenta do artista foi a extensão física do seu corpo: o pincel, o cinzel ou a câmara fotográfica.

Hoje, a ferramenta é o algoritmo.

No entanto, um algoritmo sem um "prompt" (instrução) é como um piano sem pianista: possui todo o potencial sonoro do mundo, mas permanece em silêncio absoluto.

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O "Prompt" como Ato Poético

A criatividade humana na era digital deslocou-se da execução técnica para a curadoria conceptual.

Quando um criador utiliza a IA, ele não está a abdicar da sua visão; está a expandi-la através de uma iteração infinita.

A Intenção: O artista humano define o "quê" e o "porquê".

A Execução: A IA processa o "como", oferecendo variações que o cérebro humano, limitado pelo tempo e pela biologia, demoraria décadas a explorar.

O Refinamento: O humano regressa para selecionar, editar e dar "alma" ao resultado final, filtrando o caos gerado pela máquina.

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O Fantasma na Máquina

Muitos temem que a IA torne a arte "fácil".

No entanto, a facilidade de gerar uma imagem não é o mesmo que a capacidade de criar uma obra que ressoe emocionalmente.

A verdadeira criatividade reside na escolha.

"A arte não é o que vês, mas o que fazes os outros verem." — Edgar Degas.

Neste contexto, a IA é apenas um prisma complexo.

O artista humano projeta a luz (a ideia) através desse prisma; o que sai do outro lado é uma dispersão de cores que o humano nunca conseguiria prever sozinho, mas que ele deve saber organizar para que faça sentido.

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O Novo Renascimento

A obra digital produzida com IA não é uma "batota", mas sim uma nova linguagem.

Tal como a fotografia não matou a pintura, mas sim a libertou da obrigação de retratar a realidade, a IA está a libertar os artistas da obrigação da execução manual exaustiva, permitindo que se foquem na pureza da ideia.

A criatividade humana continua a ser o único motor capaz de injetar contexto, ironia, crítica social e empatia numa imagem.

A máquina tem a técnica; nós temos o significado.

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Texto & Vídeo: ©MárioSilva

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“Grande cheia em Miragaia e Ribeira – Porto” (1962) – Mário Silva (IA)

 

“Grande cheia em Miragaia e Ribeira

 Porto” (1962)

Mário Silva (IA)

Esta obra digital de Mário Silva é uma homenagem à memória coletiva da cidade do Porto, capturando um momento dramático e sublime da sua história.

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A obra digital de Mário Silva transporta-nos para o inverno rigoroso de 1962, utilizando uma estética que funde o realismo histórico com o expressionismo cromático.

A pintura foca-se no casario típico das zonas de Miragaia e da Ribeira, onde as águas do rio Douro, transbordantes, invadem as ruas e praças.

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A paleta de cores é quase monocromática, dominada por tons de oiro, âmbar e sépia, o que confere à cena uma atmosfera de nostalgia e drama.

A luz, que parece emanar das próprias janelas e dos reflexos na água estagnada, cria um contraste profundo com as sombras dos edifícios.

A técnica de pincelada densa e texturizada enfatiza a massa líquida que envolve a cidade, transformando o cenário urbano num espelho ondulante de história e resiliência.

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O Rio que Sobe e a Memória que Fica: A Cheia de 1962

O título da obra de Mário Silva remete para um dos episódios mais marcantes do século XX na cidade do Porto.

Falar da "Grande Cheia de 1962" é evocar a relação ancestral, por vezes difícil, mas sempre íntima, entre o Porto e o seu rio, o Douro.

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O Poder Indomável do Douro

Antes da regularização do rio através das barragens, o Douro era conhecido pelo seu temperamento indomável.

Em janeiro de 1962, o Porto assistiu a uma das suas cheias mais catastróficas.

A água subiu a níveis alarmantes, galgando o cais, inundando armazéns e entrando pelas casas e comércios de Miragaia e da Ribeira.

A obra capta precisamente esse momento em que a cidade parece flutuar, submetida à vontade da natureza.

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A Arquitetura como Testemunha

Na pintura, o casario de Miragaia — com as suas fachadas estreitas e telhados sobrepostos — não aparece apenas como cenário, mas como protagonista.

Estes edifícios são as testemunhas silenciosas de gerações de portuenses que aprenderam a viver com a "invasão" periódica do rio.

A luz dourada que Mário utiliza pode ser interpretada como a dignidade e o espírito de entreajuda que sempre surgiam nestas horas críticas; apesar da escuridão da inundação, há um brilho que persiste.

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A Visão Artística de Mário Silva

Ao recriar este evento através de ferramentas digitais, Mário Silva faz mais do que um registo documental:

A Atmosfera: O uso de tons quentes transforma uma tragédia natural numa cena de beleza melancólica, preservando a mística do Porto antigo.

O Reflexo: A água, que ocupa metade da composição, funciona como um espelho da identidade da cidade.

O Porto vê-se refletido no rio que o criou e que, por vezes, o castiga.

A Identidade: A obra celebra a resiliência das gentes da Ribeira, que, após cada cheia, limpavam o lodo e recomeçavam a vida, com o mesmo vigor de sempre.

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Esta pintura é um tributo à alma invicta.

Recorda-nos que o Porto é uma cidade feita de granito e água, de sombras históricas e luzes de esperança.

Através do olhar de Mário Silva, a cheia de 1962 deixa de ser apenas um dado estatístico para se tornar numa experiência visual imersiva que nos liga profundamente às raízes da cidade.

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Texto & Obra digital: ©MárioSilva

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